Con un estilo único que fusiona ritmos caribeños y melodías tropicales, la banda ha evolucionado a lo largo de las décadas y se ha ganado un lugar destacado en la música latinoamericana. Su trayectoria ha sido marcada por el compromiso de llevar el reggae a un público más amplio y diverso.
Hoy en día, Los Cafres son considerados la principal banda de reggae de Latinoamérica, liderando la escena del reggae en castellano. Su música ha resonado en todo el continente americano, convirtiéndose en un referente esencial para nuevos artistas que aspiran a seguir sus pasos. Cada presentación es un recordatorio de su talento y de la rica cultura que representan.
La banda no solo se ha destacado por su música, sino también por las numerosas colaboraciones con grandes artistas del género reggae. En diversas ocasiones, Los Cafres han compartido escenario con reconocidas bandas internacionales, llevando el reggae a teatros, discotecas y festivales en estadios.
A lo largo de sus 36 años de historia, Los Cafres editaron quince discos de los cuales tres se convirtieron en Disco de Oro.
Liderada por Guillermo Bonetto (voz), actualmente la banda está integrada por: Claudio Illobre (teclados) y Gonzalo Albornoz (bajo). Manuel Fernández Castaño (saxo). Willy Rangone (trompeta). Víctor Raffo (guitarra rítmica). Demian Marcelino (primera guitarra) e Iván Mustapich (batería).
Debutaron en Buenos Aires en 1987, pero dos años después, debido a la crisis política y económica que atravesaba la Argentina, la mayoría de sus integrantes emigraron a distintos países. Guillermo Bonetto y Claudio Illobre, quienes se radicaron en Toronto durante 1990 y 1991.
Los Cafres regresó a los escenarios en noviembre de 1992. El primer disco salió en 1994 con el nombre “Frecuencia Cafre”. Marcó un hito en la historia de la música argentina, por ser el primero concebido por una banda local íntegramente en la línea del reggae roots. Además, fue el primer disco de reggae que se grabó en español del que se tiene registro a nivel mundial.
A finales de 1995 presentaron su segunda placa llamada, “Instinto”. Fue considerada por la revista Rolling Stone como el mejor disco de la historia del reggae argentino.
Más adelante vinieron los discos “Instinto Dub” (1996). “Suena La Alarma” (1997). “Espejitos” (2000). “Vivo a lo Cafre” (2003). “¿Quién Da Más?”(2004). “Luna Park” (2006). “Barrilete” (2007). “Hombre Simple” (2007). “Classic Lover Covers” (2009). “El Paso Gigante” (2011). “25 Años de Música” (2013). “Alas Canciones” (2016) y “Hoy 3 Décadas” (2019).
Además han participado en varios compilados como “Tributo a Bob Marley”. “Vos Sabés Como Te Esperaba (Tributo A Los Fabulosos Cadillacs)” y “Hemp!” (Tributo Reggae a The Beatles Vol. II).
Durante 2024 la banda grabó nuevas canciones, que podrán empezar a escucharse en los próximos meses.
Este evento, diseñado para desafiar los límites de la percepción auditiva, contará con el innovador sistema de audio Dolby Atmos, creando una experiencia sonora que no se puede perder.
Durante el evento, el auditorio de Domus Artis se convertirá en una gran esfera resonante. Esta transformación se logra gracias a la instalación de doce parlantes de alta fidelidad, posicionados estratégicamente para proporcionar una atmósfera única. Los asistentes estarán rodeados de un sonido envolvente, permitiendo una inmersión total en las obras. Esta burbuja acústica ofrece una nueva forma de experimentar música clásica y moderna.
Los participantes podrán disfrutar de un recorrido musical que abarca desde obras maestras de la Deutsche Grammophon, como composiciones de Bach, Beethoven y Debussy. Hasta clásicos del rock de figuras como The Beatles y Elton John. También se presentarán lanzamientos vanguardistas de artistas como Björk y Billie Eilish.
Además, las producciones nacionales en Dolby Atmos prometen enriquecer aún más esta experiencia. Al final, habrá una sesión de escucha a la carta, donde cada asistente podrá elegir su música preferida.
La curaduría del evento está a cargo de los directores de Domus Artis, Vanesa Ruffa y Francisco Huici. Vanesa Ruffa es además Coordinadora Académica de la Maestría en Arte y Estudios Sonoros de Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTref) que dirige el Dr. Raúl Minsburg, mientras que la empresa de sonido IAS Audio Inmersivo será quien equipe al auditorio con el sistema de audio DOLBY Atmos y ofrecerá una masterclass gratuita para estudiantes de carreras vinculadas a lo sonoro y las nuevas tecnologías y al público en general.
20hs Paisaje sonoro, arte y diseño sonoro (Obras de R.Minsburg, J.Haro, A. Genoud, C. Castro)
21hs Escucha a la carta y CIERRE (Obra en Dolby Atmos de J. Chikiar)
Más sobre Domus Artis
Es un espacio de cultura que desde 2001 da lugar a expresiones artísticas del circuito independiente de la música, el teatro y las artes plásticas.
Posee un auditorio diseñado para el encuentro cercano entre el público y los artistas. No hay escenario más allá del límite demarcado por la primera fila de sillas, que rodean el espacio asignado a la puesta en escena.
El estudio de producción audiovisual viene realizando desde la irrupción de las redes sociales y plataformas de streaming un gran número de live sessions, conciertos virtuales, audiciones, clínicas y contenido que difunde el trabajo de nuestra comunidad artística a todo el mundo.
Es una tecnología de sonido Surround que expande la experiencia sonora con canales y sonidos que se reproducen por encima de la cabeza. Crea una cúpula de sonido envolvente que eleva la experiencia de audio.
A diferencia de los sistemas de sonido envolvente convencionales, Dolby Atmos trata los sonidos como objetos individuales que pueden moverse libremente en un espacio tridimensional.
Originalmente concebida para cine la potencia de adaptación de dicho formato permite interpretar desde qué dispositivo se está reproduciendo el contenido y ofrecer así la mejor calidad para lograr el efecto inmersivo.
El 95% de los oyentes tiene como preferencia de escucha los auriculares, por lo que el formato binaural que proporciona Dolby Atmos traduce esta experiencia y la pone al alcance de la mano de cualquier oyente.
La dirección musical a cargo de César Tello garantiza un acompañamiento excepcional para las voces protagonistas, mientras que la dirección escénica de Gabriel Villalba ofrece un enfoque fresco y dinámico a esta clásica obra.
Encabezando el impresionante elenco se encuentra la extraordinaria mezzosoprano brasileña Luciana Bueno, cuyas interpretaciones han sido aclamadas internacionalmente. Su encarnación de Carmen traerá una nueva vida a este complejo personaje, lleno de pasión y fuerza. Junto a ella, el tenor argentino Nicolás Sánchez aportará su talento para crear una química electrizante en el escenario, ofreciendo una experiencia emocional que los espectadores no querrán perderse.
El reestreno de “Carmen” no es solo una interpretación de una obra clásica; es una celebración de la cultura operística en su máxima expresión. Con un gran cuidado en la producción, cada detalle promete ser perfecto, desde la escenografía hasta el vestuario.
El estreno de Carmen, el 3 de marzo de 1875 en el Teatro Nacional de la Opéra-Comique de París, provocó un escándalo inmediato, fundamentalmente por el carácter que el libreto imprime a su principal protagonista. Según el director actual de la sala, Louis Langre, “hace apología de la libertad de ir hasta el de fondo de sus deseos y de sus convicciones”.
Para el musicólogo Jean Cristophe Branger la Carmen de Bizet “es una mujer libre, emancipada”, en una época en que la mujer seguía siendo vista como “una propiedad”.
Pero además de la presunta inmoralidad de la mujer que vive según el dictado de su deseo y el hombre que por amor deserta del mandato de defender a su patria, la representación de la vida proletaria y su trágico final impactaron de manera negativa en el público de la época, que tardó varios años para otorgarle la notoriedad que la convertiría en una de las tres óperas más representadas en el mundo.
El peso de su música y la potencia de sus personajes, aún controvertidos, se impusieron a los prejuicios y a aquel rechazo inicial. Precisamente Langree señala que esta obra conjuga “el genio de la melodía pero también de la teatralidad, con una orquestación perfecta”.
Ficha técnica – artística
Preparación y dirección musical: CÉSAR TELLO
Dirección de escena: GABRIEL VILLALBA
Diseño de escenografía: ZACARÍAS GIANNI
Producción: CLÁSICA DEL SUR / SOL PRODUCCIONES /
JUAN MANUEL FERNÁNDEZ ARIZA
Carmen Luciana Bueno
Don José Gabriel García (9-16) / Nicolás Sánchez (10-17)
Escamillo Bruno Sciaini (9-17) / Esteban Hildebrand (10-16)
Dancairo Néstor Género (9-16) / Mauro Luna (10-17)
Remendado Miguel Balea (9-16-17) / Juan Pablo Juárez (10)
Lilas Pastia Rodrigo Cartault
CORO ESTABLE DE CLÁSICA DEL SUR / DIR. MTRO. CÉSAR TELLO
CORO DE NIÑOS DE CLÁSICA DEL SUR / DIR. NATALIA VIVAS
Sobre la Compañía Artística Clásica del Sur
Creada en 2014 y declarada en 2024 “De Interés Cultural” por la Legislatura porteña, la Compañía Artística Clásica del Sur se enfoca en la realización de actividades culturales y sociales que desarrollen, promuevan, incentiven, refuercen y difundan la actividad lírica y las artes, fomentando la inserción de jóvenes estudiantes a la actividad profesional de la música y dando la posibilidad a nuevas promesas del género.
La Compañía está integrada por un elenco estable y especialistas en producción escénica que impulsan proyectos de calidad, al mismo tiempo que hacen eje en la transmisión de valores, ideas, informaciones y en el estímulo de las facultades intelectuales, estéticas y emocionales de los individuos, que representan un elemento central a los fines de un desarrollo integral del ser.
El objetivo es producir espectáculos accesibles que logren atraer a un público de amplio rango de orígenes sociales, condiciones económicas y edades, a través de una forma de contacto divertida e informando con la ópera, la música clásica y las artes en general.
Clásica del Sur es una compañía que realiza un trabajo original en el desarrollo de sus producciones de ópera y eventos culturales, e involucra a cientos de cantantes, instrumentistas, directores musicales y de escena, escenógrafos, técnicos, iluminadores, vestuaristas, maquilladores, peluqueros, asistentes, fotógrafos y montajistas, entre profesionales de diferentes disciplinas.
En el marco de homenaje, se proyectará la película Imprenteros. Esta obra está inspirada en la vida y labor de los gráficos, ofreciendo una mirada única sobre su historia y contribuciones al campo. La proyección se realizará en la Ciudad Cultural Konex, un lugar emblemático que promueve la cultura y el arte en Buenos Aires.
Posteriormente, el 9 de mayo, los asistentes podrán disfrutar de una presentación teatral que complementa las celebraciones. Esta obra ofrece una nueva perspectiva sobre el trabajo gráfico, y seguramente será una experiencia enriquecedora para todos los presentes. Además, durante ambas funciones, se tendrá la oportunidad de adquirir el libro Imprenteros, que profundiza aún más en los relatos y vivencias del sector.
Como parte de las actividades de este evento, se llevará a cabo una acción solidaria en colaboración con Casa Sofía. Se invitará a los asistentes a donar alimentos no perecederos, los cuales serán repartidos entre comedores y ollas populares de Buenos Aires. Esta iniciativa busca ayudar a quienes más lo necesitan, reflejando la solidaridad y el compromiso de la comunidad gráfica hacia el bienestar social.
“El día del gráfico es muy importante para los trabajadores, porque se celebra el primer convenio nacional de los trabajadores gráficos. Esto sucedió gracias a la intervención y participación de Eva Duarte de Perón en 1950. En el AMBA, se festeja todos los años en el predio del Sindicato Gráfico. Familias enteras de trabajadores nos juntamos a jugar al fútbol, al truco, comer un asado y realizamos sorteos de juguetes para los hijos de los trabajadores”, Sergio Vega.
Miércoles 7 de mayo a las 20 horas (película)
Imprenteros, una película de Lorena Vega y Gonzalo Javier Zapico, con producción de Alejandro Israel desde Ajimolido Films.
Luego de la proyección, se realizará una charla con los directores de la película. El documental recorre el desarrollo de este proyecto multiformato.
“¿Qué es una familia?”, se pregunta Lorena Vega al inicio de la película. A través de un viaje para lograr, sorteando la pandemia, poder editar el libro basado en su obra teatral, los hermanos Vega, junto a la editora Gabriela Halac, unen el mundo del teatro con la edición literaria, la gráfica y el cine, donde memoria, archivo y ficción buscan dar respuesta a esa pregunta.
Con: Sergio Vega, Lorena Vega, Federico Vega, Eugenia Díaz (Yeni), Dante Zapico, Gabriela Halac, Carla Ciarapica.
Dirección de fotografía y cámara: Gonzalo Javier Zapico
Montaje: Emi Castañeda (EDA) – Mariano Saban (EDA)
Diseño de sonido: Adriano Mántova
Guion en montaje: Emi Castañeda
Supervisión voz en off: Mariana Mazover
Vestuario: Julieta Harca
Música original: Andrés Buchbinder
Guion: Lorena Vega
Producción ejecutiva: Alejandro Israel – Lorena Vega
Producción: Alejandro Israel
Dirección: Lorena Vega – Gonzalo Javier Zapico.
Viernes 9 de mayo a las 20 horas (teatro)
Imprenteros de Lorena Vega y hermanos, es una pieza teatral documental nacida en 2018, que revisita el lugar perdido por tres hermanos: la imprenta del conurbano bonaerense argentino en la que se criaron rodeados de papeles, tintas y guillotinas, que les fue arrebatada y a la cual no pueden volver. Un recorrido autobiográfico, realizado con material de archivo familiar, donde conviven los protagonistas reales de la historia, junto a un equipo de actrices y actores profesionales, encargadxs de recrear situaciones y recuerdos de la familia Vega.
Una pieza multidisciplinar atravesada por la mirada de su directora, que crea desde una perspectiva de género, una visión acerca del universo del oficio gráfico. Imprenteros es el retrato de una familia atravesada por la pertenencia a una clase social que resiste a las vicisitudes económicas de un país. Videos, fotos, relatos, movimientos y sonidos, reconstruyen los sucesos que llevaron a la imprenta a su desaparición.
Elenco: Lorena Vega, Sergio Vega, Federico Vega, Julieta Brito, María Inés Sancerni, Juan Pablo, Garaventa, Christian García. Escenografía: M. Celeste Etcheverry Asistencia de escenografía y logística: Martina de Giorgio Vestuario: Julieta Harca Iluminación: Ricardo Sica Asistente de iluminación: Diego Becker Fotografía y diseño gráfico: César Capasso Diseño de logo: Horacio Petre Diseño web: Javier Jacob Sonido y música original: Andrés Buchbinder Audiovisual: Gonzalo Zapico, Agustín Di Grazia, Franco Marenco, Andrés Buchbinder. Montaje en audiovisuales: Emi Castañeda Colaboración en movimiento: Margarita Molfino Prensa: Marisol Cambre Asistencia y producción general: Fabiana Brandán y Santiago Kuster. Puesta en escena: Damiana Poggi y Lorena Vega. Dramaturgia y dirección: Lorena Vega
J Salez conquista la escena musical con más de un millón de reproducciones en su éxito “Por Mala”
El artista mexicano-americano marca un antes y un después en la bachata con su estilo único y una imagen fresca que lo posiciona como uno de los nuevos rostros del género.
La bachata tiene una nueva estrella, y su nombre es J Salez. Con su más reciente sencillo “Por Mala”, el cantante de raíces mexicanas y americanas ha roto barreras musicales, alcanzando más de un millón de reproducciones en plataformas digitales y consolidándose como una figura emergente con gran proyección internacional.
“Por Mala” no es solo una canción, es el himno con el que J Salez marca una nueva etapa en su carrera, fusionando su herencia bicultural con ritmos caribeños y una esencia moderna que ha sabido conquistar tanto a los amantes de la bachata tradicional como a las nuevas generaciones.
El éxito del sencillo ha sido tal que el artista ha sumado más de 100,000 seguidores en Instagram y más de 150,000 en TikTok, reflejando una creciente comunidad de fans que lo acompaña en cada paso.
En medio de este ascenso meteórico, J Salez ha realizado una intensa gira de medios y presentaciones en ciudades clave como Nueva York, donde su carisma y propuesta musical han dejado una fuerte impresión en la industria. Además, el artista ya tiene en la mira nuevos destinos como Miami y Ciudad de México, donde continuará expandiendo su mensaje y compartiendo su música con más audiencias.
TONY DI MARCO presenta “Ese Día”
Una balada con alma de ranchera que nos invita a abrazar lo que sentimos.
El artista argentino Tony Di Marco vuelve a sorprender con el lanzamiento de “Ese Día”, una canción profunda y conmovedora que ya está disponible en todas las plataformas digitales.
Con una fusión delicada entre la balada romántica y la esencia de la ranchera mexicana, Tony nos regala un viaje emocional que toca el corazón. La letra habla de esos encuentros (o reencuentros) que todos anhelamos, cargados de nostalgia, coraje y esperanza.
Darli Fruggiero, la venezolana que hace historia como actriz pionera al protagonizar la primera serie en formato vertical grabada en Latinoamérica
Con una carrera que no deja de crecer, Darli Fruggiero acaba de marcar un hito en la industria del entretenimiento iberoamericano: se convirtió en la primera actriz latinoamericana en protagonizar la primera serie en formato vertical, una nueva tendencia originada en China, que empieza a abrirse paso a nivel global.
La producción de Río Films, titulada Boda Relámpago y la Heredera Secreta, es una adaptación de una historia que rompió récords de audiencia en China, dirigida por Harry Arteaga, y grabada recientemente en la Ciudad de Guatemala para una plataforma de streaming, que tendrá distribución en toda Iberoamérica, a estrenarse en las próximas semanas.
En esta serie de formato corto, Darli Fruggiero interpreta a Sara, la protagonista de una historia que mezcla drama, romance, comedia de enredo y giros inesperados, en lo que promete ser una propuesta innovadora tanto en su contenido como en su formato. La producción representa un paso importante en la evolución del contenido digital, y Darli asume este reto con la entrega, disciplina y versatilidad que la caracterizan.
Nanpa Básico inicia su gira por Estados Unidos y hace historia en Nueva York
Ya en plataformas
El artista colombiano Nanpa Básico encendió Nueva York con un espectáculo histórico que marcó su paso por Estados Unidos con la gira Duelo Tour. Ante un público completamente entregado y un show con boletería agotada, su presentación en la Gran Manzana fue una vibrante celebración del rap poético y del poder de la música independiente. Uno de los momentos más memorables de la noche fue su interpretación, por primera vez en vivo, del tema “Mi Reina” junto a Hamilton.
El concierto en la capital del mundo fue más que un show: fue una experiencia emocional cargada de mensajes, letras profundas y conexión genuina con sus seguidores. Reafirmando por qué Nanpa es una de las voces más auténticas y poderosas de la música urbana en español.
Este hito marca el inicio del recorrido del artista por varias ciudades clave de Estados Unidos, incluyendo Denver el 9 de abril, Nueva York el 10 de abril, Miami el 11 de abril y Chicago el 13 de abril. Con cada presentación, Nanpa promete entregar no solo música, sino momentos inolvidables. Su gira por Estados Unidos es parte del gran impulso internacional que vive tras el éxito de su álbum Duelo y múltiples sold out en Europa y Latinoamérica.
Mariana Risquez estrena el videoclip de “Gris”: un viaje emocional entre sueños y ausencia
La cantautora venezolana Mariana Risquez nos invita a sumergirnos en una experiencia profundamente íntima y poética con el lanzamiento del video de “Gris”, primer sencillo de su álbum “Háblame de Amor”. Esta canción ya se encuentra disponible en las principales plataformas musicales.
“Gris” es mucho más que una canción: es un viaje emocional a través de la pérdida, el duelo y la memoria. Compuesta entre 2006 y 2007, y nacida de uno de los poemarios de la artista, la pieza se presenta como una reflexión sensible sobre la ausencia de un ser querido. Con su voz serena y su lírica introspectiva, la artista logra traducir sentimientos universales en una obra conmovedora.
El video, dirigido por Gabriel Risquez, hermano de la cantautora, fue grabado en la ciudad de Sparta, New Jersey, entre paisajes naturales que evocan la atmósfera de los sueños. Con una paleta de colores oscuros y grises, las imágenes retratan visualmente la melancolía y nostalgia que habitan en la letra. A pesar del intenso frío del invierno y las caídas de nieve durante el rodaje, el equipo logró capturar la esencia simbólica y espiritual del tema.
La Transformación Total de Carolina Sandoval de la mano de Alejandro Chabán!
Una Revelación en Exclusiva para People en Español
En un espectacular y emocionante despliegue exclusivo para la revista People en Español, Carolina Sandoval, reconocida por su carisma y energía inigualables, revela finalmente su secreto mejor guardado: su transformación física y emocional es fruto de disciplina, dedicación y un inquebrantable deseo de cambio.
Todo esto lo logró a través del exitoso programa YES YOU CAN!, el sistema número uno de pérdida de peso entre los hispanos en Estados Unidos, con más de 1 millón de transformaciones en 13 años liderando el mercado.
El Poder de una Guía: Alejandro Chabán como Pilar Clave
La portada de esta edición especial resalta la impresionante metamorfosis de Carolina, inmortalizada gracias al acompañamiento de Alejandro Chabán, fundador y CEO de YES YOU CAN!, quien ha sido un pilar fundamental en su proceso.
La presentación oficial de esta espectacular sesión de fotos se llevó a cabo en Despierta América, el programa matutino más importante de Univisión, donde Alejandro ha sido un rostro habitual por años, compartiendo su experiencia y pasión por la salud y el bienestar.
El EP es un recopilatorio de dos canciones publicadas durante el año 2022 y además incluye material nuevo.
En el vasto y siempre cambiante ecosistema de la música independiente, a veces emergen proyectos que parecen destinados a desaparecer antes de ser observados. Clima de Tundra es uno de esos casos: una entidad efímera nacida en el contexto incierto de la pandemia, sin una hoja de ruta definida y sin la intención de consolidarse como una banda tradicional. Su música, envuelta en una estética lo-fi y una sensación de lejanía casi fantasmal, se mantiene en un estado de suspensión, esperando ser descubierta por aquellos que se cruzan con ella por azar.
Southern Roots presenta ‘Boogie del Bronx’: un rugido sonoro desde la cicatriz urbana de Bogotá
‘Boogie del Bronx’, el nuevo sencillo de la banda bogotana Southern Roots, es una descarga visceral que transforma el dolor colectivo en un acto de memoria cruda y potente.
Inspirado en el antiguo sector conocido como La Ele —en el corazón del extinto Bronx capitalino—, ‘Boogie del Bronx’ condensa en menos de cuatro minutos la tensión, el abandono y la resistencia de un territorio que ha marcado a varias generaciones. Con una fusión sin concesiones de blues, stoner, metal y rock ‘n’ roll, Southern Roots retrata un paisaje, pero también lo habita, lo grita y lo devuelve hecho arte.
Así lo hace desde cada uno de los elementos que intervienen en el concepto que la agrupación formada en 2010 ha desarrollado en el sencillo: una armónica, apegada al blues, se encarga de la melancolía, mientras que los demás instrumentos, la voz áspera de Toto y una lírica cruda y simbólica, son las responsables de proyectar la fuerza que identifica a Southern Roots.
The Phoenix Within lanza nuevo sencillo y video musical “War Machines”
Grabado y masterizado por Robert Freeman en Audio Pilot Studio, el sencillo ya está disponible con un video musical de Daniel Díaz.
La banda de rock neoyorquina The Phoenix Within (TPW) regresa con su último sencillo, “War Machines”, una canción que invita a la reflexión y que aborda los orígenes de los conflictos humanos y la naturaleza cíclica de la violencia en nuestra historia.
Grabado y masterizado por Robert Freeman en Audio Pilot Studio, el sencillo ya está disponible en las principales plataformas de streaming, acompañado de un cautivador videoclip filmado y editado por Daniel Díaz.
“War Machines” no es solo una canción, es una declaración. Con una letra emotiva y una instrumentación impactante, el tema explora las causas profundas de la guerra y cuestiona la mentalidad que permite que la historia se repita. TPW insta a los oyentes a reflexionar sobre los errores del pasado y a adoptar un nuevo enfoque, basado en la paz, la prevención y la empatía.
‘El Día de la Ira’, la placa con la que Ennui (Bogotá)retrata la furia y el caos que habita la ciudad
En 10 canciones que conforman ‘El Día de la Ira’, el power trío recorre las sensaciones más intensas de la urbe a través del grunge y el rock pesado
La intención de explorar la vida desde sus sensaciones más inquietantes ha sido una premisa para el proyecto conformado en la actualidad por Dave Pacheco, Javier López y Javo Rodríguez. Así se comprueba en cada canción y se ratifica en una trayectoria que se acerca a las dos décadas de trabajo constante.
La conexión de Ennui con la ciudad es evidente y le ha permitido ganarse el cariño del público y de los medios de comunicación del continente. Ejemplo de ello, fue la respuesta que obtuvo con una de sus canciones más emblemáticas, ‘Bogotá’, un sencillo que toma una radiografía de la esencia de la capital colombiana.
Critical Baby presenta ¨Si tu novia te dejó¨ , una canción que parece ser una invitación a una noche de diversión y pasión después de una ruptura. La artista, se dirige a alguien que acaba de ser dejado por su novia y le propone salir de fiesta y disfrutar de la noche juntos.
La letra es provocativa y sensual, con referencias a la atracción física y la conexión emocional con alusiones a la libertad y la espontaneidad que viene con la ruptura de una relación.
Con empoderamiento y celebración, Critical Baby invita al oyente a dejar atrás sus penas y disfrutar del momento.
El artista italiano de rock experimental Stefano Attuario lanza nuevo sencillo “Insetti”
La canción es un tema inquietante y simbólica que se sumerge de lleno en las contradicciones de la vida moderna.
El artista experimental italiano Stefano Attuario regresa con fuerza con su nuevo sencillo, Insetti, una canción evocadora y simbólica que se sumerge de lleno en las contradicciones de la vida moderna. Con una sonoridad impactante y letras profundamente evocadoras, Insetti explora temas de alienación, opresión y la búsqueda incesante de la libertad personal, fuertemente inspirado en la icónica novela de Franz Kafka, La Metamorfosis.
Como adelanto de su próximo álbum, Babel, Insetti refuerza la fascinación de Attuario por los temas kafkianos, a la vez que se inspira en el surrealismo de William S. Burroughs. La metáfora central de la canción —el insecto— representa la degradación del individuo en una sociedad que margina a quienes desafían el statu quo.
BRYCHTTA, el dúo formado por los productores y músicos argentinos Evlay y José Bonetto, lanzó “PATADA VOLADORA”, su segundo álbum disponible en plataformas digitales. El material fue estrenado con una poderosa presentación en vivo de 3 horas y media en el mítico Crobar Club, el pasado sábado 5 de abril, con la sala completamente llena.
PATADA VOLADORA es un disco de siete tracks a pura energía. Desde la intro las percusiones suben sin freno hasta explotar en un hardgroove demoledor. El nombre no es casualidad: cada tema es un golpe certero que confirma la evolución y madurez del dúo, que en solo un año conquistó escenarios internacionales y clubes icónicos y prestigiosos de la escena electrónica.
Jdaniel Villa es un músico, compositor y productor musical que creció en un entorno artístico influenciado por su familia y amistades, especialmente por su tío Benito Núñez, quien lo introdujo en la Cueca Porteña. Desde temprana edad, desarrolló su talento musical, aprendiendo guitarra y participando en conjuntos folclóricos y otras actividades. A lo largo de su carrera, se ha presentado en reconocidos escenarios de la Quinta Región, como el Casino de Viña del Mar y varios teatros de la zona. Tras grabar varios discos y producciones musicales, hoy el músico estrena nuevo videoclip.
“Trina como un ruiseñor” se titula el reciente lanzamiento de Jdaniel Villa. Se trata de un homenaje a Benito Núñez Zárate, figura icónica de la cueca porteña y dueño de casa de la mítica Isla de la Fantasía.
Escrita por Laura Paredes junto al cineasta Mariano Llinás, la obra se sitúa en un futuro donde las corridas de toros están prohibidas, un contexto que añade una dimensión de actualidad a la narrativa.
En una plaza de toros cerrada en Almería, dos investigadoras argentinas disertan sobre el impacto literario de Lorca, analizando sus piezas canónicas y sus textos menos conocidos. Este entorno, elegido intencionadamente, permite una exploración profunda de su obra, intercalando las reflexiones académicas con la vida del antiguo personal de la plaza.
Mientras las investigadoras exponen sus pasiones y pensamientos, el antiguo personal de la plaza de toros, en un estado casi sonámbulo, recita fragmentos de ‘Romancero Gitano’, resaltando la rica herencia cultural de Lorca. Esta interacción entre el análisis y la performance crea una atmósfera cautivadora, donde la historia, la cultura, y la experiencia contemporánea se entrelazan.
La obra surgió por una invitación del ciclo “Invocaciones”, curado por Mercedes Halfon y Carolina Martín Ferro que invitaba a directores y directores a invocar a autores del siglo XX.
“Así apareció la idea de trabajar sobre el universo de Lorca en diálogo con Argentina y con ese desborde emocional que es tan propio del lenguaje actoral de Buenos Aires. Mi objetivo fue buscar esas conexiones, encontrar el humor en ese exceso de pulsiones ya su vez hacer un homenaje a un autor que admiro profundamente”, expresa Paredes.
Y agregó “Queríamos que fuese una invocación amorosa y un poco irreverente. O, por lo menos, cuestionar el excesivo respeto con el que a veces se montan los clásicos”
Ficha artística
Dirección: Laura Paredes
Dramaturgia: Laura Paredes, Mariano Llinás
Elenco: Claudia Cantero, María Inés Sancerni, Agustín Gagliardi, Nicolás Levin y Manuel Attwell
Colaboración artística y coreografía: Constanza Feldman
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Vestuario: Julieta Harca
Iluminación: Matías Sendón
Composición Musical: Gabriel Chwojnik
Asistencia de dirección: Olivia Daiez
Producción: Olivia Daiez, Agustín Gagliardi
Fotografía: Estudio Levin
Asesoramiento teórico: Maximiliano De La Puente
Realización de máscara: Axel Caponi
Prensa: Cecilia Gamboa
Poema final F. García Lorca: Manuel Attwell y Mariano Manzanella
Guitarras y estudio de grabación: Mariano Manzanella ı Estudio 321
Más sobre Laura Paredes
Es actriz, dramaturga y codirige el grupo teatral Piel de Lava desde hace diecinueve años. Es egresada de la Carrera de Dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.
En teatro trabajó, entre otros directores, con Rafael Spregelburd. Javier Daulte. Walter Jakob y Agustin Mendilaharzu. Mariana Chaud. Romina Paula. Mariana Obersztern. Santiago Loza. Matías Feldman. Mariano Pensotti. Mariano Tenconi Blanco y realizó giras por Chile. Uruguay. Francia. Portugal, Canadá, Bélgica, España y Holanda. También dirigió y escribió “Todo lo cercano se aleja” en el Teatro Nacional Cervantes y “Lorca, el teatro bajo la arena” en el Portón de Sánchez.
Como actriz trabajó en cine con Mariano Llinás (La Flor), Laura Citarella (Ostende, Trenque Lauquen), Martín Rejtman (Dos disparos), Santiago Mitre (Argentina, 1985), Rodrigo Moreno (Los delincuentes), Matías Piñeiro (Viola, La Princesa de Francia), Andrea Testa y Francisco Márquez (La larga noche de Francisco Sanctis) y Sebastián De Caro (Claudia).
En el año 2018 fue parte del programa Artista en Residencia del Complejo Teatral de Buenos Aires con una retrospectiva de todas las obras del grupo Piel de Lava (Colores Verdaderos, Neblina, Tren y Museo) y estrenó Petróleo en la Sala Sarmiento. En el 2019 se reestrenó “Petróleo” en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín y luego realizó funciones en el Teatro Metropolitan.
Actualmente actúa y codirige la obra “Parlamento” del grupo Piel de Lava y actúa en “Las Cautivas” con dirección de Mariano Tenconi Blanco y reestrena “Lorca, el teatro bajo la arena” escrita en colaboración con Mariano Llinás.
En el marco de su ciclo de cámara, se llevará a cabo un concierto de pascua barroca que promete deleitar a los presentes con obras maestras de la música clásica.
Este evento es una oportunidad única para disfrutar de la música en un ambiente histórico y vibrante, donde la cultura y el arte se entrelazan.
El concierto de pascua barroca tendrá lugar en un espacio especialmente diseñado para realzar la acústica y la atmósfera del evento. La programación es totalmente gratuita, lo que permite la participación de todos los amantes de la música y aquellos que deseen descubrir el mundo barroco.
Este concierto de pascua barroca no solo es una forma de disfrutar de la música, sino también de conectar con la comunidad artística que florece en La Usina del Arte.
Participarán del concierto la soprano Graciela Oddone y el contratenor Pablo Travaglino. Acompañados por Gustavo Di Giannantonio y Rodolfo Marchesini en violín, Paula Weihmüller y Lucas Soria en viola, María Jesús Olóndriz en violonchelo, Eugenia Montalto en flauta dulce y Jorge Lavista en clave y dirección. Interpretarán obras compuestas para la Semana Santa de Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Haendel, Antonio Vivaldi y Giovanni Battista Ferrandini.
La propuesta forma parte del ciclo de cámara en la Usina del Arte, un espacio dedicado a la música académica que reúne a intérpretes y repertorios de distintas épocas y estilos. El programa se enmarca en la agenda de actividades impulsadas por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.
Más sobre la Usina del Arte
En los albores del siglo XX, un “palacio de la luz” creado por el arquitecto italiano Giovanni Chiogna de acuerdo a la estética industrial de la época, albergó el edificio de la Ítalo Argentina de Electricidad.
Su construcción se concretó por etapas. La primera fue la del cuerpo edilicio de Pedro de Mendoza y Pérez Galdós, inaugurado en 1916, un edificio rectangular que encerraba dos grandes naves paralelas -una para calderas (el actual auditorio sinfónico) y la otra para turbinas (hoy, Nave Mayor).
En dos etapas posteriores, la Usina alcanzó su forma final: la construcción de un segundo edificio, más angosto y pequeño, con una torre con techo de tejas a cuatro aguas, separado del original por medio de una calle interior, y la prolongación de la nave de generación hasta la calle Caffarena. Así, en la esquina con Pedro de Mendoza, quedó conformado un gran atrio de acceso, un “patio de honor”, con una magnífica torre-reloj y una escalera artística, que datan de 1926.
Fue un diseño con reminiscencias a un palacio florentino que marcó un hito en el paisaje urbano: en el pasado, por su escala y monumentalidad, y en el presente, por su calidad, singularidad y color.
Protagonizada por el talentoso coreógrafo y bailarín Miguel Valdivieso, “Cómo Puedo Desear Tanto Esto” es un unipersonal que promete capturar la atención y el corazón del público. Con una fusión de videos, textos y una coreografía provocativa, este espectáculo autógrafo se adentra en el mundo de los clichés que rodean a la danza contemporánea.
La pieza es más que solo danza; es una reflexión sobre el deseo y la juventud.
Valdivieso utiliza un enfoque auto ficcional en su interpretación, explorando su propia relación con la danza y las expectativas que se imponen sobre los artistas. A medida que avanza la obra, el público será testigo de una serie de situaciones caricaturescas y momentos de reflexión que giran en torno a los estereotipos y clichés. La figura de una princesa de danza mestiza se erige como un símbolo de esta irreverencia, ofreciendo una plataforma para que surjan las voces adolescentes que a menudo son pasadas por alto.
“Cómo Puedo Desear Tanto Esto” es un pastiche coreográfico, una mezcla de estilos y técnicas que culminan en una experiencia visual y emocional. Los elementos multimedia juegan un papel crucial, ofreciendo al público una visión polifacética de la danza.
El espectáculo surge como una manera de concretar varias metas del bailarín antes de morir o envejecer explorando su propia historia y sus deseos, poniendo en evidencia las posibilidades y limitaciones dancísticas.
El espectáculo fue realizado con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes, Prodanza y el Departamento de Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes a través del XIV Premio Estímulo a la Creación.
Ficha artística
Coreografía, dirección e interpretación: Miguel Valdivieso
Asistencia de dirección: Carolina Bergero
Asistencia en reposición: Marta Salinas
Diseño de iluminación: Carolina Downes
Colaboración escenotécnica: Giselle Hauscarriaga
Edición musical: Luciano Di Gennaro
Cámara y asistencia audiovisual: Valentina Camus
Posproducción audiovisual: Josefina Fonseca y Nicolás Salinas
Fotografía y registro: Camila Buendía
Música original: Diego Suarez y Julian Velasco
Prensa: Cecilia Gamboa
Diseño gráfico: Laura Mercado
Miguel Valdivieso
Bailarín y coreógrafo boliviano, nacido en Turrialba (Costa Rica). Inició su formación artística en el Instituto Eduardo Laredo (Bolivia). Estudió en el Taller de Danza del Teatro Gral. San Martín (Complejo Teatral de Buenos Aires) y en la Universidad Nacional de las Artes (Licenciatura en Composición Coreográfica mención Danza-Teatro).
Se destacó como performer en “Fuck me”, la obra de Marina Otero girando por varios escenarios internacionales, entre ellos: Zürcher Theater Spektakel, Spring Utrecht, Teatros del Canal Madrid, Théâtre de la Ville Paris, De Singel Antwerp, Onassis Stegi Atenas, CPH Stage, HAU Berlin, ImPulsTanz Vienna, Nowy Teatr Warsaw, CC de Belém Lisboa, World Theatre Festival Zagreb.
Su trabajo “Latina Bausch” fue premiado por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y por el Premio Plurinacional Eduardo Abaroa (Bolivia). En 2024 se presentó como work in process en Dança à Deriva (Brasil) y próximamente se desarrollará en Fundación Cazadores, Centro Nave (Chile) y Frankfurt LAB (Alemania).
La muestra reúne las colecciones excepcionales de dos grandes apasionados del tema: Carlos Daws y Oscar Collazo. Su dedicación al coleccionismo y la preservación de la platería argentina nos permite apreciar el talento y la creatividad de los artesanos a lo largo de los siglos. Estas piezas reflejan un recorrido del arte desde el virreinato hasta nuestros días, mostrando la evolución de técnicas y estilos.
Visitar esta exposición no solo proporciona una visión fascinante de un arte tan significativo, sino que también nos invita a reflexionar sobre la importancia de conservar nuestro patrimonio cultural. La platería argentina es más que un arte; es una representación de nuestra identidad y historia.
Carlos Daws (1870-1947)
Figura central en la preservación de la tradición gauchesca, creó en su residencia del barrio porteño de Balvanera, a principios del siglo XX, el Museo Familiar Gauchesco, abriendo sus puertas a los interesados que quisieran disfrutar de su colección.
La casa albergaba una diversidad de objetos que incluía platería, soguería, ponchos, pinturas, fotos y grabados, testimonios de la vida de los paisanos, criollos e indígenas, en una Argentina que experimentaba su transformación hacia una sociedad urbana con fuerte presencia inmigrante.
Su colección de platería criolla es considerada una de las más importantes de la ciudad de Buenos Aires. Comprendiendo piezas de gran valor histórico y artístico cultural como mates, bombillas, cuchillos, estribos y rastras, intrínsecamente ligadas a la vida del gaucho y al campo argentino. Al fallecer este hijo de inglés y empleado administrativo del Ferrocarril del Oeste, su viuda y única heredera ofrece su colección a la Municipalidad que la adquiere para el Museo de Motivos Populares Argentinos, hoy Museo de Arte Popular.
Un siglo más tarde, Oscar Collazo reunió más de doscientas piezas, buscando también testimoniar la tradición platera, arraigada en nuestro país. Su cuidada colección abarca diversas técnicas y estilos, reflejando un gusto por la platería que persiste a lo largo del tiempo.
La curaduría de esta exposición, realizada en conjunto por Segundo Deferrari, especialista en platería criolla y director del Museo Las Lilas en Areco (Pcia. de Buenos Aires). Roberto Vega, director de Hilario, Artes Letras Oficios y Horacio Torres, curador del museo, sugiere un singular diálogo entre ambas colecciones.
La muestra invitará al público a observar los cambios y las coincidencias entre las prácticas del coleccionismo y de la exhibición de antaño y las actuales, a conocer a los artesanos plateros y sus destacados trabajos y a resaltar el mensaje único que guarda cada pieza. Este encuentro entre dos colecciones, separadas por el tiempo, pero unidas por la misma pasión, ofrecerá una perspectiva enriquecedora sobre la historia y el valor cultural de la platería argentina.
En el marco de la muestra, habrá visitas guiadas y mesas redondas a cargo de diversos especialistas y variadas propuestas educativas para todas las edades.
Durante el concierto, se hará un emocionante repaso de los grandes clásicos que han marcado la historia musical de Antonio Franco y sus legendarios Iracundos de América. Desde baladas románticas hasta temas más movidos, los asistentes tendrán la oportunidad de cantar al unísono y revivir momentos especiales que solo la música puede evocar.
Las expectativas son altas y se espera que cada tema interprete una historia que resuene en cada corazón presente.
Este espectáculo es parte del tour Argentina 2025, y se anticipa que será una noche mágica donde el público vivirá una experiencia inolvidable. Además, la conexión entre la banda y sus seguidores es clave para la atmósfera del evento, creando un recuerdo imborrable para todos los asistentes.
Antonio Franco es actualmente reconocido como la voz líder de la legendaria banda Los Iracundos. Llevando su legado a nuevas generaciones con una fuerza escénica y una pasión que emocionan en cada presentación.
Ha demostrado ser un artista versátil y apasionado capaz de interpretar una amplia gama de estilos musicales.
Nacido en Montevideo, Uruguay, Antonio creció rodeado de la música y la pasión de su familia. Su padre, un apasionado de la música folclórica uruguaya, fue su primer mentor y guía en el mundo de la música.
Más sobre Los Iracundos
La agrupación se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay y contaba con seis miembros. Inicialmente se autodenominaron los “Blue Kings”.
Eduardo Franco (vocalista, compositor y arreglador), Juan Carlos Velázquez (director, baterista y arreglador), Leonardo Franco (primera guitarra), Juan “Bosco” Zabalo (segunda guitarra), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) conformando así los seis integrantes originales de la agrupación.
“Los Iracundos” alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla. Todo terminó. El desengaño. La lluvia terminó Felicidad. El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum “Iracundos en Roma” el más exitoso de esta década.
En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas. Y te has quedado sola. Chiquilina. Soy un mamarracho. Río verde. Infidelidad es tu traición. Marionetas de cartón. Cada noche mía. Me estás matando. Y me quedé en el bar. Tú me diste amor. Pasión y vida.
